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1993年のアサヒグラフで「コム・デ・ギャルソンの２０年」という特集があった。そこにはインタヴューのほか、篠山紀信が取り壊される前の日本家屋でモデルを撮影した写真などが23頁にわたり掲載されていた。素材の取り合わせや扱い方などの斬新さはもちろんだが、素足で廊下に立つ日本人モデルがギャルソンの服を着て立っている姿に感銘を受けた。そこにはそれまで多くの日本人が感じてきた「西洋コンプレックス」が微塵も無いように見えたからである。そして、撮影に使われた家屋を何処か想起させる家に出会ったことが、「百草」開廊のきっかけのひとつになった。
「枕カバーや布団カバーを洗濯するときに裏返す、あのときにできる無造作な形、そんな印象の服を作りたい。 ? 文章、メモのような形で川久保さんのデザインが伝えられることもあるという。・・・」ギャルソンの服に現代美術的なものを感じるのは、最初に服の形やデザインありきではなく、このエピソードのように、気になっている日常の視点を、布を通して翻訳し服という形にしているからであろう。「人が服を着ることの意味」をいつも問うているようにみえる。服という最終的な形は異なっていても、ギャルソンに見受けられる日常の視点の具現化を、坂田敏子と安藤明子の中に以前から見ていた。
mon Sakataの服は洋服なのに、洋服臭さが感じられない。服が成立する最小限の要素で止めることで、布の布らしさを残し、世界中の誰が着ても似合うニュートラルさを獲得している。明子は一見不自由になりがちな直線裁ち・手作りという自分に課したその拘束条件を、抑制された美に昇華させる材料にしている。二人の共通点は洋服からデザインを引き算したものではなく、日常服をそれぞれの生活の中で形や布使いの遊びを加えつつも無駄のない造形にしている点だ。工業化と共に２０世紀に発展したカジュアルな洋服の歴史を斜めに横断しているだけでなく、和洋を問わず１９世紀以前のまだ布が貴重であった頃の布の文化への憧憬が感じられる。それぞれの出発点は違っていても、布使いを楽しみながら様々な着こなしが出来る完成を求めない造形という方向性は、アプローチと手段の相違を易々と越えて違和感なく取り合わせが楽しめるものとなっている。
糸・布・衣展５回目は、名古屋で古着を扱うAzy:rにゲスト参加して貰った。そこはアントワープ派やギャルソンに出会うことが多い店だ。イワタさんがデザイナーズブランドの古着をセレクトすると、確かな目による安心感はもちろんのこと、ファッションを越えた知識と独自の感性が活かされて一つの表現になる。
今回は着こなすことに焦点を当て、イワタトシ子・正木なおがつくるユニット [TO 22] のコーディネートにより、「FASHION×SESSION」という形でファッションショーとライブパフォーマンスを初日に催すことになった。ジャムセッションのようにそれぞれの持ち味を活かしつつ、取り合わせと着こなしによって和も洋もない世界にどう昇華させるか、またギャルソンを憧憬しつつ、ベクトルの違いをどう提示できるか楽しみである。時代の流れに寄り添いながらも距離を置き、流行に踊らされない三者三様の衣服を、セッションさせながら着こなしを楽しんで頂ければ、新たな「布の呼吸」が聞こえてくるにちがいない。。
安藤雅信
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